Desierto de ilusiones

La semana pasada salió el acta del jurado del IV Premio Nacional de Fotografía de la Universidad de Sevilla. Este año el tema elegido para el concurso era el de “Dependencia”. Así, muchos alumnos y miembros de la comunidad universitaria del terreno nacional cogieron sus cámaras para participar en él y mandar sus fotografías.

Al final de todo resultó que el premio del concurso se quedó “desierto”. Desierto de las ilusiones de los participantes y de la más mínima motivación, porque aunque es cierto que en las bases pone que esto podría pasar, esto supone un insulto para los que se han presentado. O por lo menos yo lo veo así. Ya no se trata de ganar o perder si no de que te valoren tu trabajo. Y con un resultado así uno duda de que lo hayan tenido en cuenta, ya que cuesta un poco pensar que en todo el terreno nacional nadie haya dado la talla.

Resulta que en la Universidad siempre nos animan a ser creativos y participar en todas las actividades que nos salgan. Pero después de todo, la misma Universidad es la que nos quita esas ilusiones…

Esta no es más que mi humilde opinión como estudiante y miembro de la comunidad universitaria. Puede que no siente muy bien una crítica en un blog para la facultad pero lo cierto es que estoy en mi derecho para expresarme, o como me dijo una vez un fotógrafo esto es el "derecho al pataleo", así que simplemente quería dejar clara mi disconformidad.

El escándalo ha llegado a las revistas

En la imagen se veía a una mujer en bikini, en el balcón del hotel de Puerto Rico, bebiendo una copa de champán. La mujer era Helga LaChapelle, la madre del fotógrafo David LaChapelle, y ésta la primera instantánea que tomó a los 6 años. Casi una década después se mudó a Nueva York a trabajar de camarero en la discoteca Studio 54, rodeándose de famosos. Pero este trabajo se vería interrumpido por su entrada en la Escuela de Artes de Carolina del Norte, lo que supondría un enriquecimiento de sus conocimientos y su carrera fotográfica.

Tras terminar sus estudios se mudó de nuevo a Nueva York y se inscribió en la Liga de Estudiantes de Arte y en la Escuela de Artes Visuales. Así su verdadera carrera como fotógrafo empezaría en los años 80 en las galerías de la Gran Manzana teniendo como ídolo y fuente de inspiración al artista Andy Warhol.

Su primer contacto retratando a famosos sería trabajando en la revista Interview. Lo que llevó a que su colección de retratos públicos agrupara a personajes como Tupac Shakur, Madonna, Amanda Lepore, Eminem, Philip Johnson, Lance Armstrong, Pamela Anderson, Lil’ Kim, Uma Thurman, Elizabeth Taylor, David Beckham, Paris Hilton, Jeff Koons, Leonardo DiCaprio, Hillary Clinton, Muhammad Ali,y Britney Spears. Treinta años de carrera que no se resumen en una lista.

Este fotógrafo contemporáneo destaca por su originalidad y colorido, pero sobre todo por la polémica que puedan causar o haber causado muchas de sus fotos. Desde luego ninguna deja de pasar desapercibida ya que de lo que nunca se olvida es de llamar la atención. Por eso sus llamativas imágenes han aparecido en portadas y páginas de revistas como Vogue, Rolling Stone, i-D, Vanity Fair, Vibe, The Face, Interview y GQ, entre otras.

Dejando su interés por la fotografía a un lado se interesó también por la dirección de videos musicales, de documentales y de eventos de teatro en vivo. Así en este campo incluye los videoclips de artistas como Aguilera, Moby, Jennifer Lopez, Britney Spears, The Vines y No Doubt. En la actualidad ha vuelto a centrarse en la fotografía y su obra se ha estado exponiendo en galerías como Tony Shafrazi en Nueva York, Jablonka Galerie en Alemania; Alex Daniels Gallery en Amsterdam; Maruani & Noirhomme en Bélgica; el Palazzo delle Esposizioni y Palazzo Reale en Italia; The Helmut Newton Foundation en Berlín y también la Robilant + Voena Gallery y Barbican Museum en Londres.

LaChapelle ha hecho de sus fotografías no sólo representaciones de una imagen sino obras de artes en las que cada detalle está planificado y pensado para que cree la armonía adecuada. Una armonía llamativa y que intenta alejarse de la realidad inspirándose en la jungla hawaiana.

De Cádiz a Camboya

Del pasado 18 de noviembre al 2 de diciembre tendrá lugar, en el Museo Histórico Municipal de Écija, la exposición La mirada de Camboya del fotógrafo Jesús Botaro. Este gaditano actualmente reside en Sevilla. Fotógrafo de viajes, aunque también se ha movido por el mundo de la fotografía de moda, ha desarrollado su formación de forma autodidacta.

La exposición es una recopilación de 36 fotografías, tomadas en el país del Sudeste asiático. Las instantáneas muestran los rostros y las miradas tanto de personas adultas como  de niños, intentando reflejar las cicatrices que dejó el paso de la guerra civil así como todo el daño sufrido. 

En 2010 La Mirada de Camboya fue presentada en la sala La Polaroid de San Fernando (Cádiz) y en el año 2011 ha sido presentada en la Agrupación Fotográfica Linense AFAL de La Línea de la Concepción, en la Casa de las Monjas del Ayuntamiento de Espartinas, en la Agrupación Fotográfica San Dionisio de Jerez de la Frontera y por último, en la Agrupación Fotográfica de Montcada i Reixac de Barcelona.

“En general me cautivaron las personas, su forma de mirar, su amabilidad y respeto a los demás, sus ganas de vivir. Es gente que a pesar de soportar la pesada carga de un genocidio reciente, es alegre y generosa.” Fueron las declaraciones del propio fotógrafo.

La hoja de contactos más buscada

La tecnología y con ella, la fotografía digital, avecinan el final de la fotografía analógica. Esto supone la pérdida de parte del material histórico de este tipo de fotografía. Por ello se ha publicado el libro Magnum, con la hoja de contactos de la misma agencia de fotografías. Son 139 hojas de contactos con 69 fotógrafos las que dan forma a este libro. 

Está editado por la comisaría asociada del Centro Internacional de Fotografía (ICP) y según la autora del mismo "El libro recorre el desarrollo y la desaparición de un método de trabajo antaño tan omnipresente que llegó a considerarse como una parte inextricable del proceso fotográfico: el empleo de las hojas de contactos como registro de las tomas propias, como herramienta de edición y como índice de un archivo de negativos". 

Las 500 hojas que llenan este magnífico libro lo inundan fotógrafos de la talla de Henri Cartier- Bresson, Elliott Erwitt, Inge Morat, Robert Capa, Marc Riboud y de los de la nueva generación Jonas Bendiksen, Alexandra Sanguinetti y Alec Soth entre muchos.

La publicación de esta hojas de contacto supone la revelación de los procesos empleados por los fotógrafos antes de publicar sus fotos, procesos de edición que hasta antes no habían visto la luz y que permiten transportarte a la cabeza de los artistas.

De la Gran Manzana a la Ciudad de la Luz

Desde el pasado 18 de octubre hasta el 5 de febrero de 2012 tendrá lugar en el Museo Jeu de Pame de París una exposición con las instantáneas de la fotoperiodista neoyorquina Diane Arbus.

Esta fotógrafa, de ascendencia judía, se recorría los barrios más peligrosos de Nueva York retratando los rostros de las personas más macabras y raras que pudiera encontrar. Su obra tuvo una gran influencia de la película Freaks y por Model y, a diferencia de los fotógrafos de su época, ella quería mostrar la realidad más dura y grotesca del momento. Así, enanos, prostitutas, personas con malformaciones o gigantes fueron algunos de sus modelos. Por desgracia parece que su vida siempre estuvo marcada por ese toque trágico y en 1971 le puso fin suicidándose en el bajo Manhattan.

Hasta entonces su obra no se había lucido en el país francés, por ello, esta exposición supone un reconocimiento de su trabajo a la vez que una honra a su memoria. La exposición está compuesta por más de 200 imágenes que son, cuanto más, retratos estrambóticos de la sociedad neoyorquina de la década de los 60, que han dejado los barrios delictivos de la Gran Manzana para desembarcar en la cuna del arte de la Ciudad de la Luz. Aquí el humanismo de los otros fotógrafos se cambia por los monstruos del arte, una belleza difícil de ver que se esconde en cada uno de sus personajes.

La fotografía se traslada a Mali

Desde el 1 de este mes hasta el 1 de enero de 2012 tendrá lugar en Bamako, Mali, la novena edición de la Bienal de Fotografía. Tras ocho ediciones el festival empieza a consolidarse a nivel internacional con nombres un tanto anónimos para el continente europeos pero grandes fotógrafos africanos. Así, Nii Obodai,  Michael Tsegaye, Zenale Muhodi, David Gonddlatt, Abdoulaye Barry, serán algunas de las figuras que hayan fotografiado el continente africano.

El título de este año es 'Rencontres de Bamako. Pour un monde durable' y el tema es el impacto medioambiental que está teniendo el desarrollo en el continente africano. En esta edición participarán 45 fotógrafos y 10 videoartistas de 27 países y también contará con la colaboración de la Casa África. Con esta colaboración se llevará a cabo el Premio Casa África 2011, la exposición Singularidades, jóvenes creadores de Mali y la presentación de la publicación monográfica de Zanele Muhodi.

La Bienal se llevará a cabo a lo largo de todos los barrios así como en el gran parque de Mali. Las fotografían muestran el estado en que se encuentran las ciudades y la situación en la que viven muchas personas. Todos los cambios climáticos, incluido el calentamiento global, los escasos recursos de los que se puede disponer y la pobreza son algunos de esos matices que ambientan este importante festival.

http://rencontres-bamako.com/?lang=fr

Fotorealidad

El fotoperiodismo o periodismo gráfico consiste en el uso de la fotografía como medio para dar a conocer noticias de la realidad. Todo empezó en el siglo XIX entre 1880 y 1897 cuando la invención de la imprenta y las innovaciones en la fotografía permitieron su uso para contar cosas y esto fue a través de los daguerrotipos, que pronto se irían extendiendo por todo el mundo. Así, algunos de los primeros escenarios de este tipo de género fueron la Guerra de Crimea y la Guerra de Secesión de Estados Unidos y la primera publicación de fotografías de hechos reales fue en el Daily Graphic de Nueva York en 1880.

Pero su edad dorada no vendría hasta un siglo después, en los años 30, cuando fotógrafos como Dorothea Lange, Robert Capa, Henri Cartier- Bresson, Alfred Eisenstaedt, Erich Salomon, Margaret Bourke-White o W. Eugene Smith se encargaran de retratar la realidad de la época. Al mismo tiempo tendría lugar el nacimiento de revistas como Life, Time o Picture Post.

Sin embargo, todo este crecimiento del fotoperiodismo y los fotoperiodistas se ha visto dañado en la actualidad. Para muchos el avance de las tecnologías, con el uso de los móviles que permiten que cualquiera pueda ser ese informador de imágenes, la aparición del photoshop, con el que se manipulan muchas fotografías y el hecho de que los periódicos y las revistas hayan dejado de invertir en él, son las principales causas de su crisis actual. A esto le acompaña el riesgo que supone para los profesionales que la desempeñan. Según un estudio que se ha hecho, de acuerdo al Índice de Impunidad del Comité para Proteger Periodistas, el país más peligroso para el fotoperiodismo es Irak, seguido de Somalia, Colombia, México, Rusia, Nepal y Filipinas, en este orden.

Por último decir que no todo es la desesperanza de que el género se pierda, ya que hay nuevas formas de conservarlo como es el caso de hacerlo a través de revistas digitales, los blogs o revistas Paris Match, Geo y Times siguen viviendo de él.

El diálogo entre el ojo y el corazón

Lo que empezó siendo una carrera de pintura terminaría otorgándole el título de padre del fotorreportaje. Henri Cartier- Bresson es sin duda uno de los artistas y fotógrafos más importantes del siglo XX. Su fotografía combinaba el arte con la humanidad de las personas. Mostraba la realidad, pero una realidad modificada para cambiar las preconcepciones de la gente.

Junto a su cámara leica hizo fotografías a lo largo de países como México, Estados Unidos, China, la India, África o Italia. La Guerra Civil Española y la Unión Soviética no pasaron desapercibidas por su lente y su país de origen, Francia, también fue escenario de sus imágenes. Quizás la huella más profunda de Cartier- Bresson fuera su teoría del “instante decisivo”. Para él había un momento exacto en el que se debía tomar una fotografía, ni un segundo antes ni uno después, y para ello había que alinear el corazón, el ojo y la cabeza. Sólo con la mezcla de esos tres factores se podría conseguir la imagen adecuada. Para muchos ha supuesto el objeto de estudio de la fotografía contemporánea y es parte de la historia gráfica del siglo XX.

Dentro de los modelos a los que fotografió hubo personajes tan famosos como Fidel Castro, Édith Piaf, Ernesto “Che” Guevara o pintores como Henri Matisse y Pablo Picasso. Pero no todo eran rostros conocidos si no también caras de personas desconocidas que a veces mostraban la miseria que estaban viviendo. En 1947, junto a los fotógrafos Robert Capa, Bill Vandivert, David Seymour y George Rodger fundarían la agencia Magnun, la importante cooperativa fotográfica a nivel internacional.

Sería unas décadas más tarde cuando en 1970 decidió volver a sus raíces con la pintura dejando de lado la fotografía para siempre ya que este gran fotógrafo francés fallecería el 3 de agosto de 2004.

La maleta mexicana

En 1939, mientras Robert Capa huía de un París desolado por la guerra, sus carretes con fotografías de la Guerra Civil española también tomaban rumbo a otro lugar más seguro.

Weiss fue quien sacó de Francia la maleta que había hecho Capa y en una bicicleta llegó hasta Burdeos con las miles de instantáneas tomadas entre mayo de 1936 y marzo de 1939. La maleta con 126 carretes y 4.500 instantáneas tomadas por Robert Capa, Gerda Taro y David Seymour apareció en México en 1995 y más tarde, en el 2007, llegó al International Center of Photography de Nueva York (ICP).

La “maleta mexicana”, nombre que ha recibido la obra, se encuentra por primera vez en España y se podrá visitar en el Museo Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) hasta el 15 de enero. El material está compuesto por unas 70 fotografías acompañadas de documentos que sirven para contextualizar la época en que se tomaron las famosas instantáneas. Por otro lado, la exhibición también tendrá lugar en Madrid y Bilbao.

Robert Capa, el fotógrafo de guerra más importante del siglo XX y uno de los fundadores de Magnun Photos, es la figura más popular en esta famosa maleta pero no la única. Gerda Taro fue una pionera en el fotoperiodismo de guerra y junto con Capa, el cual también fue su pareja, cubrieron la Guerra Civil española. Desgraciadamente perdió la vida en la guerra en un accidente durante el repliegue del ejército republicano. El tercer componente sería David Seymour, conocido por el pseudónimo de “Chim”, fotógrafo, también miembro fundador de la agencia Magnun y otro de los partícipes que hicieron posible la existencia de la “maleta mexicana”.