Sergio Caro: “Un freelance en este país es un sin techo”

Fotógrafo y periodista freelance sevillano, entró en la profesión sin saber lo que era, acabó interesándose por él y ha conseguido labrarse una carrera extensa incluyendo premios que hacen un reconocimiento de la misma.

¿Qué es para ti el periodismo?

Había un argentino que decía que el periodismo es el derecho al pataleo, tú ves algo que no funciona bien y vas a contarlo, tienes el derecho al pataleo. Si algo es muy bonito ya se entera el gabinete de prensa o la publicidad, por tanto ya lo contará todo el mundo, hay que contar lo que no funciona bien.

¿Cómo se consigue ser freelance y tener trabajo?

Lo primero que tienes que tener es una novia o novio rico, o un padre con dinero… Es broma. En este país los freelance son unos “sin techo”, que para nada está representada su figura. Tú vas mendigando trabajo, no lo ofreces, ya que para los editores eres un mendigo. Hay muy pocos editores en este país que respeten la figura del freelance, a nivel extranjero es diferente. Yo no me considero un freelance puro. Para mí hay dos maneras de trabajar, una tú tienes dinero, lo inviertes en un tema y luego lo vendes para recuperar el dinero y conseguir más; así vas invirtiendo y reinvirtiendo. Para mí esa opción ha sido imposible porque nunca he tenido dinero, así que la otra forma que yo he hecho es proponer un proyecto, que te adelanten el dinero y hacerlo.

¿Cómo ves el periodismo con la crisis?

Los medios están caninos. Quieren temas pero pagan muy mal, no merece la pena. El periodismo no está pagado, la gente no tiene la necesidad de informarse y por ello no paga esa información. El periodismo en la crisis es terrible, el porcentaje de periodistas sin trabajo fue mucho mayor que cuando cerraron astilleros.

¿En qué consiste tu técnica del “story-telling”?

Es una técnica que se ha hecho toda la vida pero le han cambiado el nombre, es aprovechar las fotografías con el audio. Es como un audiovisual pero con fotos. Pero es un soporte muy caro y los mejores que lo hacen no tienen dinero para hacerlo. El rendimiento económico es escaso.

Desierto de ilusiones

La semana pasada salió el acta del jurado del IV Premio Nacional de Fotografía de la Universidad de Sevilla. Este año el tema elegido para el concurso era el de “Dependencia”. Así, muchos alumnos y miembros de la comunidad universitaria del terreno nacional cogieron sus cámaras para participar en él y mandar sus fotografías.

Al final de todo resultó que el premio del concurso se quedó “desierto”. Desierto de las ilusiones de los participantes y de la más mínima motivación, porque aunque es cierto que en las bases pone que esto podría pasar, esto supone un insulto para los que se han presentado. O por lo menos yo lo veo así. Ya no se trata de ganar o perder si no de que te valoren tu trabajo. Y con un resultado así uno duda de que lo hayan tenido en cuenta, ya que cuesta un poco pensar que en todo el terreno nacional nadie haya dado la talla.

Resulta que en la Universidad siempre nos animan a ser creativos y participar en todas las actividades que nos salgan. Pero después de todo, la misma Universidad es la que nos quita esas ilusiones…

Esta no es más que mi humilde opinión como estudiante y miembro de la comunidad universitaria. Puede que no siente muy bien una crítica en un blog para la facultad pero lo cierto es que estoy en mi derecho para expresarme, o como me dijo una vez un fotógrafo esto es el "derecho al pataleo", así que simplemente quería dejar clara mi disconformidad.

El escándalo ha llegado a las revistas

En la imagen se veía a una mujer en bikini, en el balcón del hotel de Puerto Rico, bebiendo una copa de champán. La mujer era Helga LaChapelle, la madre del fotógrafo David LaChapelle, y ésta la primera instantánea que tomó a los 6 años. Casi una década después se mudó a Nueva York a trabajar de camarero en la discoteca Studio 54, rodeándose de famosos. Pero este trabajo se vería interrumpido por su entrada en la Escuela de Artes de Carolina del Norte, lo que supondría un enriquecimiento de sus conocimientos y su carrera fotográfica.

Tras terminar sus estudios se mudó de nuevo a Nueva York y se inscribió en la Liga de Estudiantes de Arte y en la Escuela de Artes Visuales. Así su verdadera carrera como fotógrafo empezaría en los años 80 en las galerías de la Gran Manzana teniendo como ídolo y fuente de inspiración al artista Andy Warhol.

Su primer contacto retratando a famosos sería trabajando en la revista Interview. Lo que llevó a que su colección de retratos públicos agrupara a personajes como Tupac Shakur, Madonna, Amanda Lepore, Eminem, Philip Johnson, Lance Armstrong, Pamela Anderson, Lil’ Kim, Uma Thurman, Elizabeth Taylor, David Beckham, Paris Hilton, Jeff Koons, Leonardo DiCaprio, Hillary Clinton, Muhammad Ali,y Britney Spears. Treinta años de carrera que no se resumen en una lista.

Este fotógrafo contemporáneo destaca por su originalidad y colorido, pero sobre todo por la polémica que puedan causar o haber causado muchas de sus fotos. Desde luego ninguna deja de pasar desapercibida ya que de lo que nunca se olvida es de llamar la atención. Por eso sus llamativas imágenes han aparecido en portadas y páginas de revistas como Vogue, Rolling Stone, i-D, Vanity Fair, Vibe, The Face, Interview y GQ, entre otras.

Dejando su interés por la fotografía a un lado se interesó también por la dirección de videos musicales, de documentales y de eventos de teatro en vivo. Así en este campo incluye los videoclips de artistas como Aguilera, Moby, Jennifer Lopez, Britney Spears, The Vines y No Doubt. En la actualidad ha vuelto a centrarse en la fotografía y su obra se ha estado exponiendo en galerías como Tony Shafrazi en Nueva York, Jablonka Galerie en Alemania; Alex Daniels Gallery en Amsterdam; Maruani & Noirhomme en Bélgica; el Palazzo delle Esposizioni y Palazzo Reale en Italia; The Helmut Newton Foundation en Berlín y también la Robilant + Voena Gallery y Barbican Museum en Londres.

LaChapelle ha hecho de sus fotografías no sólo representaciones de una imagen sino obras de artes en las que cada detalle está planificado y pensado para que cree la armonía adecuada. Una armonía llamativa y que intenta alejarse de la realidad inspirándose en la jungla hawaiana.

De Cádiz a Camboya

Del pasado 18 de noviembre al 2 de diciembre tendrá lugar, en el Museo Histórico Municipal de Écija, la exposición La mirada de Camboya del fotógrafo Jesús Botaro. Este gaditano actualmente reside en Sevilla. Fotógrafo de viajes, aunque también se ha movido por el mundo de la fotografía de moda, ha desarrollado su formación de forma autodidacta.

La exposición es una recopilación de 36 fotografías, tomadas en el país del Sudeste asiático. Las instantáneas muestran los rostros y las miradas tanto de personas adultas como  de niños, intentando reflejar las cicatrices que dejó el paso de la guerra civil así como todo el daño sufrido. 

En 2010 La Mirada de Camboya fue presentada en la sala La Polaroid de San Fernando (Cádiz) y en el año 2011 ha sido presentada en la Agrupación Fotográfica Linense AFAL de La Línea de la Concepción, en la Casa de las Monjas del Ayuntamiento de Espartinas, en la Agrupación Fotográfica San Dionisio de Jerez de la Frontera y por último, en la Agrupación Fotográfica de Montcada i Reixac de Barcelona.

“En general me cautivaron las personas, su forma de mirar, su amabilidad y respeto a los demás, sus ganas de vivir. Es gente que a pesar de soportar la pesada carga de un genocidio reciente, es alegre y generosa.” Fueron las declaraciones del propio fotógrafo.

La hoja de contactos más buscada

La tecnología y con ella, la fotografía digital, avecinan el final de la fotografía analógica. Esto supone la pérdida de parte del material histórico de este tipo de fotografía. Por ello se ha publicado el libro Magnum, con la hoja de contactos de la misma agencia de fotografías. Son 139 hojas de contactos con 69 fotógrafos las que dan forma a este libro. 

Está editado por la comisaría asociada del Centro Internacional de Fotografía (ICP) y según la autora del mismo "El libro recorre el desarrollo y la desaparición de un método de trabajo antaño tan omnipresente que llegó a considerarse como una parte inextricable del proceso fotográfico: el empleo de las hojas de contactos como registro de las tomas propias, como herramienta de edición y como índice de un archivo de negativos". 

Las 500 hojas que llenan este magnífico libro lo inundan fotógrafos de la talla de Henri Cartier- Bresson, Elliott Erwitt, Inge Morat, Robert Capa, Marc Riboud y de los de la nueva generación Jonas Bendiksen, Alexandra Sanguinetti y Alec Soth entre muchos.

La publicación de esta hojas de contacto supone la revelación de los procesos empleados por los fotógrafos antes de publicar sus fotos, procesos de edición que hasta antes no habían visto la luz y que permiten transportarte a la cabeza de los artistas.

De la Gran Manzana a la Ciudad de la Luz

Desde el pasado 18 de octubre hasta el 5 de febrero de 2012 tendrá lugar en el Museo Jeu de Pame de París una exposición con las instantáneas de la fotoperiodista neoyorquina Diane Arbus.

Esta fotógrafa, de ascendencia judía, se recorría los barrios más peligrosos de Nueva York retratando los rostros de las personas más macabras y raras que pudiera encontrar. Su obra tuvo una gran influencia de la película Freaks y por Model y, a diferencia de los fotógrafos de su época, ella quería mostrar la realidad más dura y grotesca del momento. Así, enanos, prostitutas, personas con malformaciones o gigantes fueron algunos de sus modelos. Por desgracia parece que su vida siempre estuvo marcada por ese toque trágico y en 1971 le puso fin suicidándose en el bajo Manhattan.

Hasta entonces su obra no se había lucido en el país francés, por ello, esta exposición supone un reconocimiento de su trabajo a la vez que una honra a su memoria. La exposición está compuesta por más de 200 imágenes que son, cuanto más, retratos estrambóticos de la sociedad neoyorquina de la década de los 60, que han dejado los barrios delictivos de la Gran Manzana para desembarcar en la cuna del arte de la Ciudad de la Luz. Aquí el humanismo de los otros fotógrafos se cambia por los monstruos del arte, una belleza difícil de ver que se esconde en cada uno de sus personajes.

La fotografía se traslada a Mali

Desde el 1 de este mes hasta el 1 de enero de 2012 tendrá lugar en Bamako, Mali, la novena edición de la Bienal de Fotografía. Tras ocho ediciones el festival empieza a consolidarse a nivel internacional con nombres un tanto anónimos para el continente europeos pero grandes fotógrafos africanos. Así, Nii Obodai,  Michael Tsegaye, Zenale Muhodi, David Gonddlatt, Abdoulaye Barry, serán algunas de las figuras que hayan fotografiado el continente africano.

El título de este año es 'Rencontres de Bamako. Pour un monde durable' y el tema es el impacto medioambiental que está teniendo el desarrollo en el continente africano. En esta edición participarán 45 fotógrafos y 10 videoartistas de 27 países y también contará con la colaboración de la Casa África. Con esta colaboración se llevará a cabo el Premio Casa África 2011, la exposición Singularidades, jóvenes creadores de Mali y la presentación de la publicación monográfica de Zanele Muhodi.

La Bienal se llevará a cabo a lo largo de todos los barrios así como en el gran parque de Mali. Las fotografían muestran el estado en que se encuentran las ciudades y la situación en la que viven muchas personas. Todos los cambios climáticos, incluido el calentamiento global, los escasos recursos de los que se puede disponer y la pobreza son algunos de esos matices que ambientan este importante festival.

http://rencontres-bamako.com/?lang=fr